Discovery de Daft Punk, 20 años después: Un homenaje a la música donde fuiste feliz
No debe ser fácil ser una banda que, con cada lanzamiento, sacude al mundo de una forma u otra. Son pocos los que tienen lo mismo que el rey Midas en la mano y que logran darle un valor estratosférico a todo lo que hacen y cambiar la vida de todos los que disfrutan de su arte.
En ese caso, Daft Punk parecía tener una fórmula clara. Homework (1997) fue uno de los discos más rompedores de la música electrónica de finales de los noventa pues supuso un ascenso al mainstream de un género principalmente underground, disfrutado por cientos en garitos de ciudades como Berlín, Bristol, Detroit o Chicago.
Pero no fue hasta Discovery, hace exactamente 20 años, que Daft Punk se abrió de par en par al mundo, con un álbum cargado de música contagiosa, divertida y su debida dosis de experimentación y sin mayor pretensión que lo mencionado. Guy-Manuel de Homem-Christo (fun fact, hace poco un tuit me hizo darme cuenta de que todas las palabras significan hombre) y Thomas Bangalter construyeron una carrera sólida a partir de este álbum, que básicamente les hace leyendas incontestables en el mundo de la música.
Por eso, a 20 años de ese marzo de 2001 en el que Discovery salió al mercado, decidimos repasar la historia detrás e influencia de uno de los discos más icónicos del comienzo del nuevo milenio.
Sample to make something new
Pese a las diferencias sonoras entre ambos discos, Daft Punk usó para Discovery el mismo equipo que tenían para Homework. Toda una maquinaria vintage dispuesta a hacer un álbum un poco menos oscuro, con otro enfoque y otra intención.
Por supuesto, el trabajo de sampling también fue fundamental, siendo esta una característica recurrente de la música del dúo galo. Sin embargo, hay tela qué cortar alrededor del tema.
Los liner notes de Discovery muestran que solo cuatro samples son usados con permiso en el disco:
I Love You More de George Duke en Digital Love
Cola Bottle Baby de Edwin Birdsong en Harder Better Faster Stronger
Could You Imagine de The Imperials en Crescendolls
Who Was Sleeping In My Bed de Barry Manilow en Superheroes
Sin embargo, hay una cantidad significativa de tracks que fueron sampleados en el disco, pero en vez de hacer música con ellos, Thomas y Guy los cambiaron un poco, y crearon nueva música alrededor de ellos que fue completamente tocada en vivo, mientras que otros fueron re-arreglados de una forma en que no se sienten precisamente como el producto original, como se evidencia en un video que se hizo viral recientemente donde muestran cómo deconstruyeron secciones de More Spell On You, de Eddie Johns, para crear la base musical de One More Time, el single más exitoso del disco, que como dato curioso incluye la voz del productor Romanthony procesada a través del mismo filtro de voces que usó Cher en su éxito Believe, de 1998.
Hay otros cientos de samples en el disco, claro. Algunos temas de Alan Parsons Project, Electric Light Orchestra, Kenny Loggins, Dan Fogelberg y Tim Weisberg o Sister Sledge, y hay hasta listas enteras de todos los tracks que supuestamente fueron sampleados para el álbum, pero el mismo dúo no solo lo desmintió, sino que admitió que en algunos casos regrabó dichos samples usando sus propios instrumentos, creando especies de “samples falsos” que mucha gente los asumió como samples de grabaciones de Disco o Funk y dando una vida completamente diferente a ese material. Robar bien, como le dicen, no solo porque esto no supone ningún problema legal según las jurisdicciones de derechos de autor, sino porque cambiaron completamente la intención de la referencia. Alrededor de la mitad de los samples en Discovery fueron tocados en vivo, estimó Bangalter en una entrevista.
Un homenaje a la música que los crió
Los mismos Daft Punk establecieron en una entrevista que, aunque este disco puede sentirse como un tributo a la decena de años entre 1975 y 1985, como si fuese un homenaje a su fantástico gusto musical, realmente tuvo una razón de ser mucho más libre y diferente.
Ambos integrantes asumen al disco como una forma de reconectar con cuando eres un niño y no juzgas y sobre analizas la música que escuchas. “Te gustaba porque te gustaba y no te preocupaba que fuera cool o no”, fueron sus palabras. Discovery fue un ejercicio de honestidad y de auto exploración. De reconectar con la forma en que disfrutabas la música con tus sentimientos, sin una pizca de cinismo y sin presión externa de qué es lo que debería gustarte o no.
Comparándolo con Homework, Bangalter y de Homem-Christo aciertan con una frase: “Homework fue una forma de decirle a los rockeros ‘La música electrónica era cool’. Discovery fue lo opuesto: Fue decirle a los fanáticos de la electrónica ‘El Rock era cool, ¿sabes?’”
En ese sentido, Daft Punk también se permitió cumplir sus propios caprichos musicales y colaborar con personas con las que tenían una relación especial a nivel artístico.
La lista de colaboradores en Discovery es corta, pero tiene un significado especial. Romanthony, fallecido productor estadounidense de House, quien prestó su voz para los temas Too Long y One More Time, era una gran influencia para el dúo francés y lo invitaron a cantar con ellos porque sentían que hacía música “emotiva”.
Todd Edwards, otro productor de New Jersey, quien cantó y coprodujo en el tema Face to Face, y que también trabajó con el dúo francés en Random Access Memories en 2013, fue otro con quien Bangalter y de Homem-Christo se quedaron prendados por el sonido de sus producciones y a quien sienten como una profunda influencia a la hora de hacer música.
Algo que tienen en común este par con el tercer y último colaborador de Discovery, DJ Sneak, quien escribió la letra de Digital Love, es que son mencionados en Teachers, track del disco Homework, donde hacen name dropping de sus mayores influencias.
A nadie le importaba cómo se veía Daft Punk
La imagen de Daft Punk con sus cascos de robot puede ser la más popular, pero no siempre fue parte de la estética del grupo, que claramente fue influenciada por Kraftwerk.
Un statement como una catedral. A Daft Punk obviamente no le importaba cómo se veían y a quienes los escuchamos, tampoco. Por eso, siempre, incluso desde la época Homework, cubría su cara con máscaras, pintura, pegatinas, lentes o cualquier cosa que tuvieran a mano, como se evidencia en este gran hilo de Twitter de Bestialo Colapsus con portadas de revistas, fotos oficiales y más:
https://twitter.com/bestialoculapsu/status/1364242718482964482
Los cascos llegaron en 2001, en una portada de la revista The Face, donde debutaron este look con una historia de que habían tenido un accidente en un laboratorio en el año 99 donde un virus de computadora y un sampleador explosivo los forzó a reconstruirse como robots.
https://i.pinimg.com/originals/9f/e6/2a/9fe62a3a83ae10f01141c81f49282eb4.jpg
A partir de ahí, hicieron un comercial de GAP con Juliette Lewis, y difícilmente se les volvió a ver sin cascos en público:
Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem
El marketing de Discovery siempre fue muy inteligente. Los sencillos sonaron en comerciales, canales de televisión y más. Pero la idea de hacer una película animada para atacar mercados asiáticos merece un apartado propio.
En colaboración con el famoso mangaka Leiji Matsumoto (Space Battleship Yamato, Captain Harlock, Galaxy Express 999 y otro montón de óperas espaciales), y de la mano del estudio Toei Animation, responsable de las adaptaciones animadas de Dragon Ball, One Piece, Mazinger Z, Candy Candy, Caballeros del Zodiaco y Sailor Moon, nace Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem.
Se trata de una cinta musical sin diálogos, solo música, escrita a 8 manos por el dúo junto a Matsumoto y Cédric Hervet, usual colaborador y director de arte de Daft Punk, donde cuentan la historia de un grupo musical extraterrestre que reúne músicos de otra galaxia y los re programa para convertirse en la banda más popular de la tierra.
Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem debutó en el Festival de Cannes y es un testimonio importante de cómo una banda puede trabajar y explotar bien un concepto para llevarlo a sitios inexplorados:
El legado
Daft Punk puede darse el lujo de decir que, gracias a su música, el mundo viró su cráneo a la música electrónica. El French House comenzó a despertar nuevos intereses, y artistas como Modjo, con su conocida Lady (Hear Me Tonight) también recibieron sus cuotas de atención (aunque muy poca), o Air, otras auténticas leyendas del circuito francés y que han labrado una carrera propia muy interesante, gracias a la explosión de Daft Punk.
Actos conocidos de la década siguiente también vieron en Daft Punk una de sus mayores influencias, y así tenemos la salida de artistas como Justice, Kavinsky, Dimitri From Paris, Phoenix, Breakbot, Yves Larock o Sebastien Tellier.
Incluso, el EDM y la música electrónica más exitosa a nivel comercial, bebió del éxito y del sonido de Daft Punk, resaltando el trabajo de productores galos como David Guetta, Bob Sinclair, entre otros.
Hoy en día, se puede decir que, aunque Discovery no descubrió nada nuevo, nos dio una forma muy inteligente de jugar con el pasado. Es un disco muy lúdico, al que la banda puso especial cariño pues trataban de homenajear a esa música que consumieron cuándo eran apenas unos niños. Escucharlo siempre se siente como volver a jugar con tu juguete favorito. Es un disco que se sigue sintiendo atemporal y novedoso por la forma en que fue concebido, y porque se siente como una hemeroteca de sonidos a los que siempre puedes volver como músico si quieres inspiración, o como fanático de la música si quieres volver a sentirte vivo.
Por Alejandro Fernandes Riera | @fernandesriera